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jueves, 10 de marzo de 2011

BUSCANDO A FORRESTER




EN: http://www.elseptimoarte.net/peliculas/descubriendo-a-forrester-1333.html
Título: Descubriendo a Forrester

Título original: Finding Forrester
País: USA
Estreno en USA:
Estreno en España: 06/04/2001
Productora: Columbia Pictures
Director: Gus Van Sant
Guión: Mike Rich
Reparto: Sean Connery, Rob Brown, F. Murray Abraham, Anna Paquin, Bust Rhymes,
April Grace, Michael Pitt, Michael Nouri, Richard Easton, Glenn Fitzgerald, Stephanie
Berry, Matt Damon, Lil Zane
Trama
Jamal es un joven del Bronx con un don excepcional para la escritura y el baloncesto. Cuando saca la nota más alta de su instituto en los test de inteligencia llama la atención de un exclusivo y elitista colegio de Manhattan. En su nuevo instituto se hace amigo de la estudiante Claire a la vez que conoce a un anciano que vive recluido en un apartamento de su barrio. Este hombre resulta ser William Forrester, el misterioso ganador del Premio Pullizer que lleva desaparecido varias décadas. Desde ese momento ambos construyen una relación cimentada en la confianza y la literatura; Forrester ayuda a Jamal a convertirse en un buen escritor y Jamal intenta que Forrester supere sus traumas del pasado y deje de aislarse. Mientras tanto en el instituto Jamal se encuentra con grandes dificultades para integrarse debido a las grandes diferencias sociales e incluso raciales a la vez que cada vez se estrecha su relación con Claire.
Sinopsis:

Él fue toda una personalidad, el autor de una novela clásica galardonada hace cuatro décadas con el premio Pulitzer. Esto es lo último que se supo sobre William Forrester. Pero las cosas van a cambiar el día que Jamal Wallace, un impetuoso joven de 16 años con vocación de escritor, logra introducirse en la protegida existencia de Forrester reavivando de nuevo los sueños de una leyenda de la literatura en el tramo final de su vida. Conocido en su barrio por su condición de solitario, el canoso Forrester es un hombre cuyo misterio y excentricidad se acercan a límites casi míticos. Cuando Jamal, un destacado estudiante y atleta afroamericano que ha sido fichado por un entrenador de elite gracias a su brillantez dentro y fuera de la cancha, logra colarse en su apartamento con una cartera repleta de sus trabajos literarios, inesperadamente ambos obtendrán algo a cambio. Obligado a dejar a un lado prejuicios como el color de la piel y otras suposiciones, Jamal no sólo va a encontrar a su admirador más fiel, sino a un mentor que le retará cambiando su vida para siempre; mientras que Forrester encontrará la primera razón, en muchos años, para salir de la soledad que se había autoimpuesto.
 

Y TU MAMÁ TAMBIÉN



Prof. ALBERTO GONZALEZ M.
ASIGNATURA: ELECTIVA HUMANIDADES III:
CODIGO: 8104865
GRUPO: 40
AREA: GENERAL
PELÍCULA: Y TU MAMA TAMBIEN
Y TU MAMA TAMBIEN
POR: Yvonne Yolis
México, 2001
Dirigida por Alfonso Cuarón, con Gael García Bernal, Diego Luna, Maribel Verdú, Andrés Almeida, María Aura y Juan Carlos Remolina.
La aclamada película mexicana Y tu mamá también habla de sexo de manera frontal, divertida y desenfadada. Pero más que el tema de la última realización de Alfonso Cuarón (Grandes esperanzas, La princesita), las relaciones sexuales explícitas, los diálogos subidos de tono y el erotismo candente son sólo excusas para marcar un punto de quiebre, una transición. El sexo, o más bien ciertas situaciones particulares relacionadas con el sexo, será el inicio del camino hacia la madurez de dos adolescentes, Julio y Tenoch. Situado en la ciudad de México, de donde el director es oriundo aunque hace unos años reside y filma en los Estados Unidos, el cuarto largometraje de Cuarón (ayudado por el guión de su hermano Carlos) resulta un film íntimo, personal y bastante alejado de sus producciones anteriores.
Julio (Gael García Bernal se luce como en Amores perros) y Tenoch (Diego Luna) son dos jóvenes de 17 años que se dedican a hacer cosas de chicos de su edad: cogen con sus novias cada vez que pueden, fuman marihuana, salen a divertirse, se masturban a dúo, disfrutan de su posición social privilegiada (el segundo más que el primero) e intentan salir del aburrimiento y hacer algo con sus vidas. Todas estas situaciones se muestran desprejuiciadamente y sirven para describir a los personajes centrales. Pero es acertado que la película no se apoye en la transgresión para sostenerse, y que ésta no sea un fin sino un medio para indagar en la lealtad, la amistad, la inocencia, el sufrimiento.
El conflicto se desencadena cuando los dos "charolastras" –como les gusta denominarse en la logia inventada que comparten– conocen a Luisa (Maribel Verdú). Esta española diez años mayor, que al principio no los registra, luego de un hecho doloroso decide aceptar el viaje que los amigos le habían propuesto. Ella no sabe que "Boca del cielo" es una playa inventada hacia la que el trío parte desconociendo el rumbo. Ese lugar imaginario, y fuera de campo la mayor parte del film, se convierte en un sitio mítico e inalcanzable. Un lugar al que se dirigen en busca quién sabe de qué y que es metáfora de la transformación que ha de llegar cuando lo encuentren. Si es que lo encuentran...
Cuarón cambia el preciosismo estético y cierta dosis de fantasía de sus películas anteriores por una road-movie mucho más realista. Vuelve a trabajar con el director de fotografía Emmanuel Lubezcki (La leyenda del jinete sin cabeza) pero recrea una puesta en escena que se vale de la cámara en mano y la luz natural mayoritariamente. Sin embargo, la concepción narrativa de Y tu mamá también sigue siendo muy particular. La voz en off que relata los hechos enrarece el tono del film y el ritmo de la narración. Es que este relator omnisciente interrumpe cada tanto el sonido de las imágenes –que se tornan mudas– y describe hechos del pasado de los personajes, o cosas que ocurrirán más adelante y que no veremos. Son casi tiempos suspendidos, pero que a la vez hacen avanzar dramáticamente la acción.
La narración en off también deja entrever cierta crítica social que, aunque algo superficial, está relacionada con los protagonistas y algunos personajes secundarios: quiénes son, por qué llegaron hasta allí, por qué terminarán como terminarán. Este mismo narrador al final revela un hecho que le da sentido a todo lo visto con anterioridad, cambiando la lectura de la historia.

En el medio, Julio y Tenoch irán descubriendo que no todo es como parece, que su amistad no es tan indestructible como creían y que el deseo también puede jugarles una mala pasada o, al menos, una que los transformará rotundamente. El viaje real por las carreteras de México es un pretexto para el viaje interior de estas tres criaturas que, entre polvos, conversaciones íntimas y confesiones, conocerán el dolor. Pero también el humor. Y tu mamá también es una película que así como pasa completamente por lo sexual, también es atravesada íntegramente por el humor. Y el humor es la única catarsis en un film difícil, provocador, triste quizá, sorprendente por momentos. Pero en el que vale la pena sumergirse sin prejuicios.
http://www.encadenados.org/n26/y_tu_mama_tambien.htm
Y tu mamá también
Luis Tormo
Y tu mamá también es un film arrollador en la sala oscura, se ve desde la butaca con el frenesí que imponen la avalancha de escenas y la verborrea desplegada por los protagonistas, que viene favorecida por la adopción del esquema de road-movie (acumulación de escenas sueltas facilitadas por el desplazamiento) que nos introduce en una gran variedad de temas: la amistad de dos amigos y su evolución, el sexo en todas sus variantes, la muerte, el paso a la madurez, etc.
Y para complicar un poco más, Alfonso Cuarón presenta también la visión de un narrador omnipresente que aporta el conocimiento de los personajes y el descubrimiento de la realidad social del país. Todo, junto y revuelto, produce esa sensación de catarata de imágenes que evolucionan desde el localismo, con la relación de los dos amigos de la clase social más afortunada de la sociedad mejicana (vida fácil, centrada en sus problemas personales, con sus novias, con sus padres, etc.) y que viene expresado con ese lenguaje particular difícilmente entendible en la primera parte de la película, hasta llegar a la parte del viaje donde asistimos a un desarrollo de temas más generales pues ese viaje se traduce -cómo en la mayor parte de las road-movie- como un descubrimiento personal y del entorno que recorren.
A partir del viaje, el director mejicano muestra en primer lugar cómo el encuentro de los dos amigos con el personaje de Luisa (Maribel Verdú) les hace evolucionar, crecer y asumir a nivel personal cosas impensables en su esquema mental, de esa forma van cayendo barreras que tienen mucho que ver con el machismo imperante. Así, en ese mundo machista y tradicional mejicano van cayendo tópicos (se creen muy machos pero hacen mal el amor, son amigos pero se engañan entre ellos y al final, incluso, llegan a practicar una relación homosexual en el encuentro triangular último). Y lógicamente ese cambio tiene que venir del personaje femenino, que resume la sensibilidad y la dedicación a los demás que les falta a los dos amigos, pues Luisa les dedica el tiempo de vida que le queda consiguiendo cambiarles sus mandamientos, sus reglas.
Y en segundo lugar, este viaje sirve para dar la otra imagen del país pues el recorrido está trufado, tanto en las imágenes como en los comentarios en off, de referencias a la pobreza y a la realidad social (Chiapas, detenciones, miseria de los habitantes, etc.). Viaje que empieza con una excusa que es el llegar a una playa paradisiaca (se inventan la búsqueda de una playa inexistente, Boca de Cielo), lo cual entronca con esa vida que llevan de fantasía, de fuera de la realidad (asumen la corrupción de sus padres y la inocencia de sus vidas) y poco a poco, conforme el viaje se desarrolla los personajes se asientan en el entorno, ven realmente cual es la situación y toman conciencia de la realidad (al final resulta que la playa si existe).
Es por esto que, cuando el viaje termina y Luisa ya les ha enseñado todo y ellos han crecido personalmente, la vuelta a la realidad es distinta, los dos amigos se separan y el último encuentro testifica su separación definitiva, pues aunque ellos dicen que volverán a verse, la voz en off se encarga de dejar claro que no se verán más. Todo ha cambiado, incluso la situación real del país (coincide con el momento en que el PRI pierde el gobierno).
Por último, dos aspectos que hay que destacar y que posibilitan que Y tu mama también se convierta en una gran lección de cine. Por un lado, el juego de los actores que se convierten en pieza importante para sostener las situaciones, en ese sentido la compenetración de Gael García Barnal (Julio) y Diego Luna (Tenoch) es total, al igual que Maribel Verdú. Y por otro, este es un film muy personal y la presencia del director se remarca claramente en la posición de la cámara y en la voz en off, es decir, no es un estilo transparente, todo lo contrario; la cámara está con los personajes (movimientos, situación) como un protagonista más, convirtiéndose a veces en parte principal, y un ejemplo lo tenemos en la escena en que se masturban en la piscina y la cámara se sitúa dentro del agua , donde cae el esperma; otras veces la cámara los sigue (dentro del agua, del mar, baila con ellos, etc.). La voz en off es otro ejemplo donde el creador de la historia se hace presente, esa voz que interrumpe el relato de manera brusca y sabe todo (antes y después) de los personajes y de su entorno.

miércoles, 9 de marzo de 2011

LA DUDA





Profesor Alberto González
PELÍCULA: LA DUDA (Doubt)
CONCEPTO: LA HONRA Y EL CHISME


AÑO: 2008
DURACIÓN: 104 min
PAÍS: USA
DIRECTOR: John Patrick Shanley
GUIÓN: John Patrick Shanley (Obra: John Patrick Shanley)
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Roger Deakins
REPARTO: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Viola Davis, Lloyd Clay Brown, Joseph Foster, Bridget Megan Clark, Lydia Jordan, Paulie Litt, Matthew Marvin, Evan Lewis, Dennis Albanese, Timothy J. Cox, Amanda Marie Florian
PRODUCTORA: Miramax Films / Scott Rudin Productions


SINÓPSIS
De las entrañas de la certeza nace la duda, pero la certeza de la hermana Aloysiussin no contiene prueba alguna y está basada en su certeza moral, basada en la fe que le impone creer en el bien y el mal sin constatarlo, es la certeza impuesta por su creencia religiosa. Al final la hermana Aloysiussin quedará atormentada por la duda.


Corre el año 1964 en St. Nicholas, en el Bronx. Un vibrante y carismático sacerdote, el Padre Flynn (Philip Seymour Hoffman ganador del Premio Oscar ®) está intentando cambiar las estrictas costumbres de la escuela, que han sido celosamente custodiadas durante largo tiempo por la Hermana Aloysius Beauvier (Meryl Streep ganadora del Premio Oscar ®), la Directora con mano de hierro que cree en el poder del miedo y de la disciplina. Vientos de cambio político soplan en la comunidad y la escuela acaba de aceptar al primer estudiante negro, Donald Miller. Pero cuando la Hermana James (Amy Adams nominada al Premio Oscar ®), una inocente optimista, comparte con la Hermana Aloysius su sospecha de que el Padre Flynn está prestando demasiada atención a Donald, la Hermana Aloysius lanza una cruzada personal para desenterrar la verdad y expulsar al Padre Flynn de la escuela. Ahora, sin ninguna prueba más que su certeza moral, la Hermana Aloysius entabla una batalla de voluntades con el Padre Flynn, la cual amenaza con fracturar a la comunidad con irrevocables consecuencias.
La honra de las personas es como una almohada de plumas de ganso que al ser rota, sus plumas salen volando con el viento y después es imposible recoger una a una las plumas para reconstruir la almohada. De esta manera el padre Flynn ejemplariza en su sermón dominical la honra, cuando a través del chisme se pierde y nunca se recobrará y quedará incólume una vez puesta en duda.
INFORMACION OFICIA John Patrick Shanley lleva a la pantalla su pieza teatral laureada con los premios Pulitzer y Tony en una atraganté historia acerca de la búsqueda de la verdad, la fuerza del cambio y las devastadoras consecuencias de la justicia ciega en una época definida por las convicciones morales.

EL ARBOL DE LIMA



El árbol de lima, una hermosa cinta sobre una lucha sin armas, El viaje legal y personal de Salma la llevará hasta el corazón del complejo y oscuro caos de la guerra en Oriente, donde todos están solos en su lucha por la supervivencia.

APRECIADOS ESTUDIANTES
El presente texto contiene los siguientes aspectos:
• Ficha técnica
• Sinópsis
• Contexto, por el profesor: Alberto González Molina
• El artículo: EL ÁRBOL DE LIMA, por SANDRA M. RIOS

FICHA TÉCNICA
Director: Eran Riklis
Género: Drama
Título Original: Etz Limon
Duración: 1Hr 46 Min
Clasificación: Mayores de 12 Años (Colombia)
Guión: Suha Arraf y Eran Riklis
Reparto: Hiam Abbass (Salma Zidane), Ali Suliman (Ziad Daud), Doron Tavory (Navon), Rona Lipaz Michael (Mira Navon), Tarik Copti (Abu Hussam), Amos Lavie (capitán Jacob), Amnon Wolf (Leibowitz), Smadar Yaaron (Tamar Gera), Ayelet Robinson (Shelly).
Música: Habib Shehadeh Hanna
Fotografía: Rainer Klausmann
Vestuario: Rona Doron
Página Oficial: http://www.golem.es/loslimoneros/
Países: Israel, Alemania y Francia
Año: 2008

SINOPSIS
Salma, una viuda palestina, decide librar una batalla contra el ministro de Defensa de Israel, cuya casa limita con su campo de limoneros, en la frontera entre Israel y los Territorios Ocupados. La policía no tarda en decretar que los árboles de Salma representan una auténtica amenaza para el ministro de Defensa y su familia, y ordena que se talen. Pero Salma decide luchar para salvar sus árboles y su vida.

CONTEXTO
Profesor: Alberto González Molina

El pasado 31 de mayo de 2010 el Ejército israelí atacó la 'Flotilla de la Libertad', un grupo de seis barcos que transporta a más de 750 personas con ayuda humanitaria para Gaza, causando una masacre en la que ha fallecido más de una decena de personas y una treintena ha resultado herida.
La Armada ha reconocido la muerte de nueve activistas, sin embargo existen otras fuentes que han cifrado los fallecimientos en 14 y otros medios locales contabilizan entre 16 y 20.
El convoy de ayuda internacional estaba compuesto por seis barcos y transportaba 10.000 toneladas de ayuda humanitaria, entre suministros médicos, materiales de construcción, material educativo y 500 vehículos eléctricos para discapacitados, además de 100 casas prefabricadas destinadas a las familias que perdieron sus casas durante los ataques israelíes en enero de 2009. Sus 750 viajeros son de 40 nacionalidades, la mitad turcos, pero también hay 12 parlamentarios de Alemania, Noruega, Suecia, Bulgaria e Irlanda. La flotilla estaba dirigida por la Fundación humanitaria turca IHH (Insani Yardim Vakfi).Las embarcaciones, bajo el liderazgo de la Mavi Marmara, habían partido ese fin de semana desde diversos puertos del Mediterráneo, con el objetivo de alcanzar Gaza, e introducir los suministros humanitarios.


EL ÁRBOL DE LIMA
Por SANDRA M. RIOS

El Árbol de Lima o los Limoneros es la doceava películas del director israelí Eran Riklis, es también la segunda vez que utiliza como su protagonista a la actriz Árabe Palestina Hiam Abbass. Un año después de haberse estrenado, esta cinta ha recogido diversos reconocimientos como el Premio al Público del Festival de Cine de Berlín, Mejor Actriz Protágonica y Mejor Guión en los Premios Asia-Pacífico, y Mejor Actriz, Mejor Música, Mejor Director, Mejor Diseño de Arte entre otros en la Academia de Cine de Israel.

Esta es una películas dramática ambientada nada más y nada menos que en Cisjordania, región en disputa de cáracter político y religioso-territorial por parte de Jordania e Israel y actual escenario del considerado Nuevo Muro de la Vergüenza en construcción desde el año 2002. Precisamente en los límites con Israel nace la historia de Salma, una mujer viuda de 45 años de edad que desde siempre ha trabajado y preservado su herencia familiar; un cultivo de limones. Pero su tranquilidad en medio de la tensión política se ve perturbada cuando el Ministro de la Defensa Israelí se convierte en su vecino y el paranóico ejército sugiere de la conveniencia de quitar el cultivo de limones por constituirlo una latente amenaza.


El cultivo es entonces el testigo y el protagonista silencioso de una situación irracional con la que esta mujer pone en evidencia la falta de resolución de conflictos a través del diálogo a causa de la inmensa carga de prejuicios a lo largo la historia. Estos dos personajes por si mismos representan la intolerancia de sus territorios, en donde cualquier disputa puede convertirse en la punta del iceberg que desencadene todo un cruento enfrentamiento. Y aunque no llega a ser tan cruento en esta cinta, si nos muestra hasta donde puede llegar la naturaleza humana cuando ve amenazada sus necesidades más básicas. Lo que pretende Riklis aquí es mostrarnos; sin embargo, que en esta región de conflictos, no todo se resuelve con extremos, sino que también hay cabida a las salidas de hecho a través del derecho.


El Árbol de Lima es además el reflejo de la entereza y a la vez fragilidad de una mujer que dignifica esta condición por encima de sus propias creencias y convicciones, poniendo incluso en peligro su integridad con tal de defender su propio orgullo y el honor de una familia que por años se ha sostenido de este fruto. La soledad es otro de los elementos importantes de esta historia, no solo presente en Salma y el Ministro sino también en la esposa de este último. Ambas mujeres enfrentadas a los abusos silentes por su condición femenina, se ven impulsadas, la una por las acciones de la otra, a dar un giro a sus vidas y dejarse llevar por sus instintos y reales preferencias.
Lo interesante de Eran Riklis son sus esfuerzos por “camuflar” el fuerte ambiente político que rodea esta películas y sus percepciones personales acerca del conflicto entre palestinos e israelítas a través de una historia agridulce que no la hace lejana al resto del mundo, gracias en buena parte al gran acercamiento de sus personajes con sentimientos puros como el amor, la fragilidad y la dignidad junto a otros de gran contraste como el orgullo, la intolerencia y los prejuicio.

COMO AGUA PARA CHOCOLATE

Prof. ALBERTO GONZALEZ M.
ASIGNATURA: ELECTIVA HUMANIDADES II: HISTORIAS DE MUJERES
CODIGO: 8104749
GRUPO: 5- V ADMINISTRACIÓN DE EMPRESAS
AREA: GENERAL
PELÍCULA: COMO AGUA PARA CHOCOLATE
CONCEPTO: AMOR MÁGICO

Título original: Como agua para chocolate
Dirección: Alfonso Arau
País: México
Año: 1992
Duración: 105 min.
Género: Drama, Romance
Reparto: Marco Leonardi, Lumi Cavazos, Regina Torné, Mario Iván Martínez, Ada Carrasco, Yareli Arizmendi, Claudette
Maillé, Pilar Aranda, Farnesio de Bernal, Joaquín Garrido
Guión: Laura Esquivel
Productora: Cinevista, Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), Arau Films Internacional, Aviacsa, Fonatur, Fondo de Fomento a la Calidad Cinematográfica, Gobierno del Estado de Coahuila, Secretaria de Turismo
Sinopsis
Mamá Elena se ha quedado viuda tras el infarto de su marido. Tiene tres hijas: Rosaura, Gertrudis y Tita. Para mantener la tradición de la familia De la Garza, la hija menor, Tita, está obligada a renunciar a su propia vida para mantener a su madre durante la vejez. Como los enamorados no pueden casarse, Pedro busca una manera alternativa para acercarse a Tita. La situación crea represiones y fuertes emociones que se muestran a través de la comida. La película examina la sensibilidad humana, los efectos de la represión, y la fuerza del amor. Las recetas culinarias son una parte importante de la película y marcan el paso de las estaciones de su vida y la acompañan en su tránsito a una sabrosa eternidad.
Contexto
Historia de amor mágico realista en el México de la Revolución. Tita y Pedro ven su amor obstaculizado cuando Mamá Sabrina decide que Tita, su hija menor, debe quedarse soltera para cuidar de ella hasta su muerte. Tita sufrirá largos años por un amor que perdurará más allá del tiempo. Todo ello con la gastronomía como nexo de unión y metáfora de los sentimientos de los personajes.
En Piedras Negras, Coahuila, las costumbres son arraigadas y la casa de Tita no es la excepción. Las reglas en su casa son estrictas y en ocasiones irracionales. Las normas sociales indicaban que la última hija de una mujer debía dedicar su vida a atender a su madre, así que Tita debía entregarse completamente al servicio familiar y olvidar el amor, ya que era la hija menor.
La situación comienza a complicarse cuando Tita se enamora de un joven llamado Pedro Muzquiz, lo cual es muy mal visto por la familia de Tita, integrada por su madre (Mamá Elena) y sus dos hermanas: Rosaura y Gertrudis. Como le es prohibido relacionarse con cualquier hombre, en especial con Pedro Muzquiz (de tanto atractivo físico), Mamá Elena halla una "solución": ofrece a su otra hija en matrimonio, Rosaura, para casarse con él y hacerle olvidar a Tita, cosa que Pedro no quiere hacer a pesar de todo el tiempo que pasa, su plan es casarse con Rosaura para estar cerca de tita. Toda esta historia con la gastronomía como nexo de unión y metáfora de los sentimientos de los personajes, así las cebollas serán el motivo de lágrimas o las perdices en pétalos de rosa despertarán pasiones incontrolables.
Rosaura contrae matrimonio con Pedro, aunque no sintiera amor por él. Para Tita este es el motivo de una profunda tristeza que le hace perder cualquier interés por las cosas que solía hacer, pero su corazón experimenta una enorme alegría al saber, por boca del mismo Pedro, que él sólo se casaba con su hermana para estar más cerca de su único amor, Tita. Su alegría se ve mitigada, en parte, por el fallecimiento de Nacha, que fue la mujer que la crió desde bebé y que le enseñó el arte de la cocina. Ahora, como la cocinera de la casa, su papel se verá gratificado por los halagos que Pedro le hace a sus deliciosos platos, aunque Mamá Elena no descansará hasta impedirle a Pedro que haga esas demostraciones en frente de su esposa.
Rosaura tiene un bebé que Tita alimenta, ya que su hermana queda demasiado débil tras el parto. El amor que Tita sentía hacia Pedro y Roberto, el bebé, le provoca la venida de la leche a pesar de que nunca hubiera tenido ningún hijo. Mamá Elena disgustada por el comportamiento de Tita hacia Pedro, hace que él y su familia se vayan a vivir a Texas, lejos del amor de Tita. Al no haber quién alimentara al niño con el mismo esmero que lo hacía Tita, este muere.
La muerte de Roberto provoca el primer enfrentamiento entre madre e hija, porque cuando son informadas Tita no logra controlar el dolor y estalla contra su madre ganándose una fractura de nariz por una cuchara de madera. Tras esto Tita se hunde en el shock y termina siendo llevada a casa del doctor Brown para que se recupere.
John admira la belleza de Tita y la maestría con la que atendió el parto de su hermana Rosaura, hasta el punto de empezar a sentir amor por ella. En el tiempo que Tita pasa en la casa de John, ella empieza a perder sentirse insegura sobre sus habilidades como cocinera e incluso se niega a hablarle a cualquier persona. De pronto regresa a la casa de su madre donde hace un esfuerzo para cuidarla después de haber perdido la movilidad de sus piernas porque unos rebeldes la atacaron cuando entraron a su rancho. Mamá Elena es una mujer muy difícil de cuidar y de aguantar, incluso para su hija que no guardaba energías para alimentarla con alimentos, que aunque eran delicias gastronómicas, tenían un sabor desagradable para Mamá Elena. Mamá Elena muere, heredando su casa a Rosaura, que regresa a Piedras Negras con Pedro. Ahí se reanuda la guerra por Pedro entre estas dos mujeres tras el nacimiento de la segunda hija de Pedro y Rosaura, a quien llaman Esperanza.
Luego de muchos años, Rosaura muere y con ella sus ideas absurdas de perpetuar la tradición que Tita había sufrido. Esperanza, su hija, se casa con el hijo del John y se va de casa con él. Tita prepara chiles en nogada, los cuales provocan en sus comensales un enorme deseo de tener sexo con alguien. Los invitados huyen en su afán por saciar sus más fuertes pasiones y por primera vez en sus vidas, Pedro y Tita se encuentran solos en el rancho. La soledad es su mayor cómplice y el miedo de ser escuchados o vistos desaparece. Esta pareja consume su amor en el cuarto oscuro y es tan excitante ese momento, que Pedro muere en los brazos de su amada. Devastada y sientiendo el frío interior que no la abandonaba desde la boda de Pedro, se cubre con la cobija que llevaba años tejiendo, la cual abarcaba todo el rancho, y empieza a comer cerillos mientras piensa en los momentos mas intensos vividos con Pedro. Finalmente logra visualizar un túnel al final del cual la espera Pedro y va hacia él. Al morir empieza a salir fuego de su cuerpo, el cual se extiende por la cobija y termina quemando el rancho por completo.
El por qué come los cerrillos, viene de la explicación del doctor Brown sobre los fósforos y como las emociones demasiado intensas pueden abrir un portal frente a las personas. Eso fue lo que mató a Pedro.


LA SONRISA DE LA MONALISA


Prof. ALBERTO GONZALEZ M.
ASIGNATURA: ELECTIVA HUMANIDADES II:
HISTORIAS DE MUJERES
CODIGO: 8104638
GRUPO: 5
AREA: GENERAL
PELÍCULA: LA SONRISA DE MONA LISA


APRECIADOS ESTUDIANTES
El  presente texto contiene los siguientes aspectos:
Reseña y Créditos de la película



Créditos y Reseña de la película
CRÉDITOS
La sonrisa de Mona Lisa
TÍTULO ORIGINAL Mona Lisa Smile
AÑO 2003
DURACIÓN 117 min.
PAÍS EEUU
DIRECTOR Mike Newell
GUIÓN Lawrence Konner & Mark Rosenthal
MÚSICA Rachel Portman
FOTOGRAFÍA Anastas N. Michos
REPARTO Julia Roberts, Kirsten Dunst, Julia Stiles, Marcia Gay Harden, Maggie Gyllenhaal, Dominic West, Juliet Stevenson, Topher Grace, John Slattery, Ginnifer Goodwin
PRODUCTORA Columbia Pictures / Revolution Studios
WEB OFICIAL http://www.sonypictures.com/movies/monalisasmile/index.html
GÉNERO Comedia. Drama


2. RESEÑA
1953 período de la segunda preguerra mundial, el éxito de las mujeres no era un medio de desarrollo personal, y la educación cumplía con este objetivo en la formación de las mujeres. Estas eran educadas para quedarse en la casa, ocuparse de su familia y permanecer junto a su marido.
La película dibuja la mentalidad de una época, años cincuenta el siglo pasado, para ella la educación juega un papel importante, una mujer estudia hasta que se casa, el matrimonio, es una obligación, es el galardón a los años de preparación y es el mayor sueño de una joven de veinte años, de lo contrario, las mujeres que no se casaban eran consideradas como un fenómeno.
La Sonisa de Mona Lisa muestra también las tendencias de las jóvenes de la época frente a la capacidad de servir a una familia y cocinar para ella, limpiar, limpiar recamaras, planchar, lavar, cocinar, cocer, entre muchos otros conceptos que se le han atribuido a las mujeres, la chicas se casan y poco a poco son olvidadas por sus esposos, esclavizadas por sus obligaciones, metiéndose en la cabeza la idea de que lo que están haciendo está bien pues es su obligación, pero no, no lo es, el filme demuestra que la mujer no es el adorno sometido en el hogar que realiza todo aquello que le demanda el varón de la casa, en verdad son mucho más que eso, pero ¿quién les abrirá los ojos?, ¿quién empujará el cambio?

El personaje protagonista de Julia Roberts recibe el nombre de Katherine Watson. Este personaje hará que las jovencitas piensen por sí mismas, al impartir su clase de “Historia del arte”, deformando sus conceptos cotidianos y diciéndoles que no esperen a que un libro les diga que pensar, en verdad la trama es aceptable y muy loable, pero tiene un problema fácilmente visible, la misma trama pulula en el aire y no termina de cuajar por completo, pues en verdad el filme se desenvuelve en prioridad en la evolución del pensamiento femenino, pero esto lo logra exponiendo “arte”, el cambio de la mentalidad se concibe mediante la interpretación del arte, tomando conceptos ambiguos para poder crear las dudas y contradicciones necesarias y así realizar su objetivo, Julia Roberts se desenvuelve de forma aceptable y paulatina, logrando un tempo un poco pausado pero entretenido, pues si el público logra introducirse en su contexto artístico se terminarán haciendo las mismas preguntas que los personajes, ¿qué es arte?, ¿quién es la persona indicada para decir que algo es arte?, en verdad su contexto artístico es aquello que ayuda a que el filme sea factible a transición, y como no debía faltar el toque azucarado, la protagonista se conecta en esencia con su alumnado y las lecciones son recíprocas, al tener problemas amorosos, y es cuando podemos hablar de su contexto romántico, el cual en verdad no cuaja y es lo que desluce al filme, aunque tiene gran virtud que el filme no sea comedia romántica o esencia de romance a la máxima potencia.

jueves, 8 de abril de 2010

La Nueva Ola del Cine Francés

Hablemos de Cine...desde la Academia, presente: XIV Jornada de Investigación 
        François Truffaut
y la Nueva Ola del Cine Francés

La Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia a través de su Facultad Seccional Chiquinquirá, presenta a la comunidad universitaria la Muestra de Cine Francés: “François Truffaut y la Nueva Ola del Cine Francés”. Esta muestra se presenta con el auspicio y colaboración de la Embajada de Francia.La adaptación del presente texto se elaboró con el apoyo de las siguientes páginas:
De esta manera la Facultad Seccional Chiquinquirá hace presencia en la semana de la Investigación.
La muestra se enfoca hacia la nueva ola del cine francés, en cabeza del director François Truffaut, está estructurada por 8 películas largometrajes de François Truffaut e incluye una autobiografía dirigida por Anne Andreu.
Traducción realizada por Brigitte Gille de Rincón, traductora oficial francés-español - Resol. 0135 - Bogotá Colombia. Profesora Titular ESAP-Bogotá.
La adaptación del presente texto se elaboró con el apoyo de las siguientes páginas:


François Truffaut, une autobiograpie
de Anne Andreu (2004)


François Truffaut:
une autobiograpie de Anne Andreu (2004)Long-métrage
Réalisatrice: Anne Andreu
Genres: Documentaire
Sous-genres: Portrait
Langue de tournage:
Sortie en France: 01/10/04
Durée: 1h 18mn
Production déléguée: INA - Institut National de l'Audiovisuel
François Truffaut mantuvo todas sus notas de las numerosas fases de sus escenarios, en pequeños trozos de papel, a través de imágenes de sus seres queridos. Quería trascender los rastros que lleven la muerte. Anne Andreu hace parte de estos -temas entrevistas en vídeo, fotos, archivo- ella intenta desentrañar el misterio de uno de los cineastas más admirados del siglo XX. Esta autobiografía pretende poner de relieve los temas favoritos del director, a través de sus películas: la infancia, el aprendizaje, las conflictivas relaciones entre hombres y mujeres, la muerte. Esta película da la palabra a aquellos que lo conocieron en su trabajo, en su vida, y a los famosos que fueron fuente de admiración. “François Truffaut, una autobiografía”, más que una película que glorifica al cineasta, toma la medida del enorme legado que nos dejó.
En esta producción Truffaut afirma que no puede contar una historia con la que no se identifique, necesita que las circunstancias le sean familiares, ese es su criterio de trabajo. “Trabajo mucho con material de la vida real, pero es muy difícil medir sus proporciones, digamos que en mi trabajo hay un 20% autobiográfico, un 20% tomado de los periódicos, un 20% de la vida de la gente que conozco y un 20 de pura ficción, o sea, que de ficción hay poco, necesito más de la experiencia de la vida real”.


Les 400 coups (1958)

Les 400 coups (1958)
Dirección: François Truffaut
Escrita por: François Truffaut
Argumento: François Truffaut y Marcel Moussy
Producción: Les Films Du Carrose-SEDIF
Dirección Artística: Bernard Evein
Fotografía: Henri Decae
Música: Jean Constantin
Interpretación
Jean-Pierre Léaud -Antoine Doinel
Guy Decomble - 'Petite Feuille'
Patrick Auffray - Rene
"Los 400 golpes", cuenta la historia de Antoine Doinel, un adolescente de 14 años en búsqueda de identidad y un lugar en la sociedad. Tiene problemas en la escuela y con sus padres. Descubre su pasión por el cine. Esta es la primera película que hizo famoso François Truffaut y simboliza junto con "A bout de souffle" (“Sin Aliento”) de Godard, la nueva ola. La secuencia genérica nos dice que la historia tiene lugar en París; en un relato estructurado en siete días, se cuenta el destino del niño.
El comienzo de la película nos sitúa en su universo "escolar", es castigado por su profesor por tener una foto de pin-up (fotografá de modelo) en sus manos. Con su amigo René, harán de los "Los 400 golpes", ausentismo escolar, robos, mentiras...
Cuando fue castigado por su maestro, escribió en la pared el siguiente epitafio:
"Aquí el pobre Antoine Doinel
Fue castigado injustamente por 'Petite Feuille'
Por un pin-up caido del cielo
Entre nosotros, será
ojo por ojo, diente por diente
Entramos en el "círculo" de la venganza de Antoine”.
El personaje encarna un nuevo tipo de héroe masculino, confuso, vulnerable, torpe con las mujeres e incapaz de socialización.


Amour en fuite
Título: Amour en fuite Guión: François Truffaut, Marie-France Pisier,
Jean Aurel, Suzanne Schiffman
Director: François Truffaut
Música: Georges Delerue
Editor: Martine Barraqué
Sonido: Michel Laurent
Imagen: Néstor Almendros
Cine francés
Es la continuación y última etapa de la saga del personaje Antoine Doinel, que inició con la película Los 400 golpes en 1959. El personaje de Antoine siempre fue interpretado por Jean-Pierre Léaud.
Tras cinco años de vida de matrimonio y con un hijo, Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) y Christine (Claude Jade) se divorcian. Antoine trabaja ahora como corrector en una imprenta y está enamorado de Sabine, vendedora en una tienda de discos. Su caso constituye el primero de la nueva legislación que permite el divorcio de común acuerdo, por lo que a la salida del tribunal se ven asediados por periodistas.


Baisers volés (1968)


Baisers Volés
Dirección: François Truffaut
Escrita por: François Truffaut
Claude de Givray
Música: Antoine Duhamel
Charles Trenet: Script
Suzanne Schiffman
Sonido: René Levert
Interpretación: Jean-Pierre Léaud - Antoine Doinel
Claude Jade - Christine Darbon
Delphine Seyrig - Fabienne Tabard
Michael Lonsdale - Georges Tabard
Daniel Ceccaldi - Monsieur Darbon
Claire Duhamel - Madame Darbon
La historia comienza cuando Antoine Doinel, quien de pequeño había huido de su hogar como es descrito en Los 400 golpes, es licenciado del servicio militar y se reencuentra con su novia Christine (Claude Jade). Ahora en la vida civil, Antoine busca un trabajo para sobrevivir, empezando por el de vigilante nocturno, pero por infortunadas situaciones y por su ineptitud y mala suerte termina siendo despedido. Consigue entonces un trabajo como detective privado y de este modo termina infiltrado en una tienda de zapatos como vendedor, a pedido del dueño de la tienda, quien busca averiguar porqué las personas que lo rodean (su esposa, sus empleados y demás) lo detestan. Antoine termina seducido por la esposa del dueño de la tienda, con quien tiene una aventura. La relación de Antoine y Christine se deteriora y terminan separándose, él pierde además su trabajo como detective privado. Antoine ahora trabajando como reparador de electrodomésticos, es enviado a la casa de Christine quien intencionalmente ha descompuesto su televisor para poder ver a Antoine mientras sus padres están fuera de casa.
Finalmente Antoine y Christine terminan reconciliándose y comprometidos. Su relación como pareja se describe en los filmes posteriores.


La peau douce (1964)

Titre: La Peau douce
Réalisation: François Truffaut
Scénario: François Truffaut et Jean-Louis Richard
Production: François Truffaut et António da Cunha Telles
Musique: Georges Delerue
Photographie: Raoul Coutard
Pays d'origine: France
Genre: Drame
Durée: 113 minutes

Él, ella y la otra
Comentaba el propio François Truffaut, a propósito del estreno de La piel suave, que ésta contaba la historia más banal del mundo: la de "él, ella y la otra". Cierto es. Pierre Lachenay (Jean Desailly), es un famoso literato que lleva catorce años de matrimonio con Franca (Nelly Benedetti), fruto del cual tienen a la pequeña Sabine. Un día, al ir a realizar una conferencia sobre Balzac a Lisboa, establece una nueva relación con Nicole (Françoise Dorléac), una azafata del vuelo. Al regresar a París, Lachenay pretende mantener la relación con las dos mujeres. Con este punto de partida, resulta esencial cuestionarse el motivo que indujo al director de Los 400 golpes a rodar esta película.


Le dernier métro (1980)

País: Francia
Director: François Truffaut
Escritores: François Truffaut (argumento)
Idioma: Francés
Locaciones: Clichy, Hauts-de-Seine
Compañía: Les Films du Carrosse Ver más »
Género: Drama Romance
Duración: 131 min
Reparto: Catherine Deneuve : Marion Steiner, Gérard Depardieu : Bernard Granger, Heinz Bennent, Lucas Steiner, Jean Poiret : Jean-Loup Cottin, Andréa Ferréol, Arlette Guillaume
Durante la ocupación nazi de París, un judío llamado Lucas Steiner, dueño de un teatro, director de escena y autor, tiene que mantenerse oculto bajo el escenario. Su bella esposa y actriz, Marion, trata de mantenerlo a salvo, mientras intenta sacar adelante una nueva obra siguiendo sus indicaciones. La situación no resulta fácil, si además se tiene en cuenta que Marion y el primer actor de la compañía se enamoran.


Jules et Jim (1961)


Título Original: Jules et Jim
Año: 1961
País: Francia 
Director: François Truffaut
Guión: François Truffaut & Jean Gruault (Novela: Henri Pierre Roché)
Música: Georges Delerue
Fotografía: Raoul Coutard (B&W)
Duración: 104 min.
Productora: Les Films du Carrosse
Género: Drama. Romance
Drama romántico. Nouvelle vague
Reparto: Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre, Marie Dubois, Vanna Urbino, Sabine Haudepin, Boris Bassiak, Kate Noelle, Anny Nielse
Basada en un libro de Henri-Pierre Roché , la historia se desarrolla antes, durante y después de la I Guerra Mundial tomando como personajes a 2 amigos, uno austriaco y otro francés, Jules y Jim, quienes conocen a Catherine, una peculiar mujer interpretada por Jeanne Moreau, de la cual ambos se enamoran.
Surge así un trío amoroso que termina en tragedia.


Femme d´à côté (1981)


Dirección: François Truffaut
Escrita por: François Truffaut
Jean Aurel ; Suzanne Schiffman
Producción: Les Films du Carrosse; SEDIF; TF1
Música; Georges Delerue.
Fotografía: William Lubtschansky.
Sonido: Michel Laurent.
Interpretación:
Gérard Depardieu - Bernard Coudray
Fanny Ardant - Mathilde Bauchard
Henri Garcin - Philippe Bauchard
Michèle Baumgartner - Arlette Coudray
Roger Van Hool - Roland Duguet
Duración: 106´
Hace siete años, Bernard y Mathilde se conocieron, se amaron locamente y se separaron violentamente. El destino los reunirá de nuevo cuando Mathilde, recientemente casada con Philippe, se instala en la casa contigua a la que ocupan Bernard, su mujer Arlette y su pequeño hijo Thomas en la localidad de Grenoble. Bernard ha encontrado la felicidad con Arlette. En cuanto a Mathilde, su marido Philippe, mayor que ella, le ha proporcionado el equilibrio que necesitaba. Inevitablemente se entablan relaciones de vecindad entre las dos parejas. En la campiña de Grenoble todo el mundo se conoce y todo el mundo se encuentra en los mismos lugares, sobre todo en el Club Deportivo. ¿Hasta donde llegarán Bernard y Mathilde? ¿Se puede vivir dos veces una pasión amorosa?


Le beau mariage
de Eric Rohmer (1982)


Director: Eric Rohmer
Guión: Eric Rohmer
Foto: Bernard Lutic
Música: Ronan Girre, Simon des Innocents
Intérpretes: Amanda Langlet (Paulina), Arielle Dombasle (Marion), Pascal Greggory (Pierre), Feodor Atkine (Henri), Simon de la Brosse (Sylvain), Rosette (Luisita),
País: Francia
Idioma: Francés
Duración: 100 min
Sabine, una joven de 25 años estudiante de artes, tiene un romance con un hombre casado, Simon. Cuando se da cuenta de que nunca dejará a su esposa por ella, Sabine decide romper la relación y buscar un marido. En una fiesta de bodas, su amiga Clarisse le presenta a un abogado de 25 años llamado Edmond. En un instante, Sabine decide que Edmond es el hombre con quien se casará, pero desaparece antes de que tengan oportunidad de hablar al respecto. Obsesionada con la idea de casarse con Edmond, Sabine en repetidas ocasiones lo llama, sin darse cuenta de que el matrimonio es la última cosa en la mente de Edmond.
Es una comedia romántica con ironía satírica, donde la heroína central, una joven obstinada de clase media, lleva a cabo una loca fantasía y termina humillanda. Es tal vez la más cruel de las películas románticas de Rohmer, y aunque el resultado de su búsqueda loca de Edmond es bastante conmovedora, muestra algo que la mayoría de la gente puede identificar -con la dolorosa sensación de decepción- cuando uno se da cuenta de la locura del engaño. Castillos en el aire que puede comenzar como una actividad inocua, pero como la película lo muestra, también puede dar lugar a un resultado doloroso si se lleva demasiado lejos. 

 Además de las anteriores películas se tendra un acercamiento al cine de Alain Resnais quien ha marcado con su huella profunda el cine moderno, tanto por su implicación en la Historia de su tiempo como por la invención de una nueva escritura cinematográfica, compuesta en particular por continuidades engañosas y una ambigüedad constante entre realidad y artificio. Directores de cine muy diferentes como Arnaud Desplechin y Pascale Ferran en Francia, o Wong Kar–Wai en China son algunos ejemplos actuales de la influencia de Resnais.
“Este hombre ha dado a luz tres films geniales, tres testigos irrecusables de nuestra modernidad, tres manuscritos redactados en versión original, en lo que Blanchot llama la ‘escritura del desastre’: Noche y niebla (1956), Hiroshima mon amour (1958) y Muriel (1963). A la vuelta de los años ’60, Resnais fue algo más que un buen cineasta: fue un sismógrafo. Le ocurrió eso terrible de captar el acontecimiento fundador de la modernidad: que en el cine, como en otras partes, había que contar con un personaje de más, la especie humana. Pero ese personaje acababa de ser negado (los campos de concentración), desminuido (la tortura), y el cine tradicional era incapaz de ‘traducir’ eso. Había que encontrar una forma. Fue Resnais el que lo hizo”.
Serge Daney (1983).
Acercamiento al cine de Alain Resnais con las siguientes películas:

ALAIN RESNAIS 
Largo Metrajes


Hiroshima, mon amour (1958)
Hiroshima mon amour; Francia; 1959
Dirección: Alain Resnais.
Guión de Marguerite Duras.
Con Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Stella Dassas.
Narra una historia de amor en la ciudad de Hiroshima entre una mujer francesa y un hombre japonés, ella marcada por una historia de amor que tuvo con un soldado alemán durante la Segunda Guerra Mundial; y él marcado por la tragedia de Hiroshima. Ambos están casados con otras personas, nunca se dirán sus nombres pero hablarán de todo, mientras a cada momento que pasa se amarán todavía más.


On connaît la chanson (1998)


On connaît la chanson; Francia/Reino Unido/Suiza, 1998
Dirección: Alain Resnais.
Con Pierre Arditi, Sabine Ázema, Jean–Pierre Bacri, André Dussollier, Agnès Jaoui, Lambert Wilson, Jane Birkin.
Duración: 120 minutos
Tal como informa el título de su película, cada una de las canciones que se escuchan a lo largo de las dos horas de On connaît la chanson son clásicos populares del repertorio francés de todas las épocas, pero nada más alejado de la intención de Resnais que una suerte de cabalgata o antología musical. Lo que hace en cambio es contar las múltiples historias de varios personajes vinculados entre sí, con sus pequeñas alegrías y dramas personales –todos, por supuesto, producto del amor–, pero con la salvedad de que cuando tienen que expresar sus emociones allí brota una canción. Una pequeña obra maestra.

ALAIN RESNAIS
Corto metrajes


Guernica (1950)
(Francia; 1950)
Dirección: Alain Resnais y Robert Hessens.
Voces: María Casarès y Jacques Pruvost.
Duración:13 minutos
El 26 de abril de 1937, Guernica pequeña ciudad vasca española, fue bombardeada dejando como resultado dos mil muertos, todos civiles. Alain Resnais, se inspira en el poema que Paul Éluard compuso en homenaje a la ciudad mártir, asociándolo a los cuadros pintados por Pablo Picasso. Resnais compone una elegía cinematográfica que narra la vulnerabilidad del hombre y su terrible ferocidad. Sin embargo, el pintor, el poeta y el cineasta rechazan la desesperanza para arrancar a las palabras, a las imágenes y al arte una dignidad invicta: “Guernica, la inocencia prevalecerá sobre el crimen”.
Les Statues meurent ausussi
(Las estatuas también mueren 1953)
Dirección: Alain Resnais y Chris Marker.
Voz: Jean Négroni.
Duración minutos 30 minutos
“La revista Présence Africaine nos pidió que realizáramos una película sobre el arte negro. Para comenzar, Chris Marker y yo nos hicimos la siguiente pregunta: ¿Por qué el arte negro se encuentra en el Museo del Hombre y el arte griego o egipcio en el Museo del Louvre?”. Aceptando el pedido de la revista, Resnais y Marker celebran la belleza y el misterio de los objetos africanos. Denuncian con virulencia los mecanismos de aculturación impuestos por la colonización al continente africano y defienden la idea de una continuidad y de una íntima fraternidad entre la civilización africana y la europea.
Nuit et Brouillard
(Noche de niebla 1956)
Francia; 1955
Dirección: Alain Resnais.
Texto: Jean Cayrol.
En 1955, el comité de Historia de la Segunda Guerra Mundial pide a Alain Resnais que realice una película para conmemorar el décimo aniversario de la liberación de los campos de concentración. El film se divide en dos partes: la puesta en marcha de la máquina hitleriana, por un lado, y los campos de la muerte, por el otro. Ante estás imágenes el sobrio comentario pone en guardia al espectador que intenta desviar la mirada sobre el riesgo de que su memoria se transforme en “agua fría y opaca”.
Toute la mémoire du monde
(Toda la memoria del mundo 1956)
Francia; 1956
Dirección: Alain Resnais.
Texto: Rémo Forlani.
Voz: Jacques Dumesnil.
Duración 22 Minutos
“Como tienen la memoria corta, los hombres acumulan numerosos recordatorios”. En este cortometraje, Resnais propone una visita guiada a la Biblioteca Nacional de París y, de su cúpula a sus sótanos, de su sala de catálogos a su sala de lectura, nos revela los bastidores, vedados al público, de está institución del saber. La exploración de los sombríos laberintos de esta inmensa biblioteca es también una manera sutil de evocar los meandros más que sinuosos de la arquitectura mnemónica de los simples mortales que somos.
Le chant du Styrène (El canto de Estireno 1958)
Le chant du styrène; Francia; 1958
Dirección: Alain Resnais.
Guión: Raymond Queneau.
Voz: Pierre Dux.
Duración 14 Minutos
¿Qué es el plástico? ¿De dónde viene? Alain Resnais, ayudado por un comentario en versos alejandrinos, presenta en detalle las etapas de elaboración de los objetos de plástico que forman parte de la vida cotidiana del hombre. Comenzando por el objeto terminado para llegar a la materia esencial, Resnais no se interroga solamente por la fabricación del plástico, sino sobre la creación plástica: ese poder de moldear la materia, de dar forma a la sustancia, esa potencia creadora que atraviesa el hombre y lo supera.


Chagall, à la la Rusie, aux ânes et aux autres
Finalmente para los grupos de lúdicas, de música y ecología empresarial se proyectarán las siguientes películas:
François Lévy-Kuentz
Chagall, à la Russie, aux ânes et aux autres, 2003, de François Lévy Kuentz.
Este documental, rico y exuberante, recorre la trayectoria atípica de Marc Chagall: desde su infencia en el corazón de la Rusia zarista hasta su llegada a Montparnasse in 1910, de su implicación en la revolución rusa hasta la decoración del techo de la Ópera de París, de su exilio en Nueva York hasta los últimos años en Saint-Paul-de-Vence

La victoire de Cézanne
Jacques Descamps, Macha Mak
La victoire de Cézanne, 2006, de Jacques Deschamps. Subtítulos en francés.
Admiradores de Cézanne y los comisarios de la exposición Cézanne en Provenza descifran los misterios que rodean al pintor. ¿Cómo pasó de la categoría de "pintor maldito", denigrado por la crítica, a la de maestro y padre de la pintura moderna? ¿Cómo se creó la figura popular del artista singular, "monje contemplativo" retirado en su montaña hasta encarnarse.


L'île aux fleurs.
Título : L'île aux fleurs.
Tipo de documento : documento proyectable o vídeo
Autores : Patrice Barrat, Realizador de la película.;
Realizador: Jorge Furtado,
Editorial : Casa de cinema prod. ([Brésil])
Fecha de publicación : 1989
Colección : Mondialisation
Duración:13 min
Seguimos el camino de un tomate, desde su producción en la finca del señor Suzuki hasta su punto de llegada: el vertedero de la isla de Flores. Cine-panfleto, sistemático, y mordaz, en este cortometraje se denuncia la sub-humanidad derivados de la economía de mercado del 22% de los brasileños que mueren de hambre.

Mondialisation:
violence ou dialogue?
Mondialisation: violence ou dialogue?
Realizador: Patrice Barrat
Producción: Article Z, ARTE, SRG SSR
Idée Suisse en association avec Worldlink TV, USA
Duración: 62 minutos
Idioma: Francés
Después de la violencia en Seattle y Génova durante las cumbres del G8, se produce el 11 de septiembre con sus repercusiones mundiales. La ideología del bien contra el mal, en la cual una guerra entre culturas y religiones son también parte de la confrontación en el contexto de la globalización. Una Reflexión sobre el comienzo de nuestro siglo se ha convertido en indispensable, pues si es cierto que los conflictos entre los manifestantes y los partidarios de la globalización son verbales, no es menos cierto que las visiones entre la “sociedad civil” y los “poderes establecidos” son tales que nuestro mundo puede ser tomado por la fuerza de las trampas que lo superan.

Glenn Gould au delà du temps
Bruno Monsaingeon (2005)
Título: Glenn Gould Au-delà du temps.
Autores: Bruno Monsaingeon,
Realizador de la película.; Rory Bremner,
Fecha de publicación: 2005
Duración: 1h 46min.
Idioma: Francés
La combinación de su notable talento como pianista, ensayista, realizador audiovisual y director de documentales de radio, Glenn Gould (1932-1982) cautivó al público con su actuación y tomó al mundo por sorpresa, dejando la escena a la edad 32. Ha dejado de impresionar a los amantes de la música con sus muchas experiencias en el campo del sonido y grabación. Casi 25 años después de su muerte, Gould sigue siendo un fenómeno único en el mundo de la música clásica. Este documento arroja nueva luz sobre la vida y obra del artista y los intentos de capturar la esencia de su genio, gracias al testimonio de un núcleo de fans que marcó la vida en el anonimato. Una exploración de los archivos relativos a Gould, tanto musicales (auditiva o visual) y literaria, restaura el talento global de este pianista canadiense excepcional.